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我想跟所有热爱音乐的你推荐这部纪录片：宇多田光《行家本色》

今年7月16日，NHK放映了纪录片《行家本色：工作的风格 宇多田光特别版》。十五岁时出道，20年的传奇创作生涯，这是“宅光”第一次把自己的工作场景展现到大家面前。

在过去很长的时间里，宇多田光对于我来说，仅仅是一个名字而已。在我的J-Pop聆听史里，是ildren，Chara，东京事变。至于宇多田——这，未免太“主流”了吧？哪怕大家都认为First Love是世纪金曲，钢琴前奏一下来就已经热泪盈眶，对不起，我没感觉。

直到2016年的Fantome。

其实可以追溯到更早，2012年时《新世纪福音战士新剧场版：Q》的那首《樱流》。“隐退”之后，搬到伦敦，远离大家的视线，自己去房产中介找房子，签水电合同，确认垃圾分类的日期，仅在看小说的时候才使用日语——回归“人间活动”的宇多田光，她的作品忽然变得沉甸甸起来，“才刚盛开的花就已凋落，‘今年也好新堂淳士早就谢了呢’，你边说边露出遗憾的表情，那表情是如此美丽”。

我忽然意识到，宇多田光不再是那个印象里的少女了。再到2013年母亲的离世，宇多田也成为了母亲，她发现只有音乐才是出口。这才有了她的复出专辑Fantome。

当我听着Fantome的时候，我对宇多田光上述的经历一无所知。音乐是不会骗人的，宇多田光为什么会变成这样？她身上到底发生了什么？在得知那一切后，我更确认宇多田所说的：“当人们试图塑造一些无法用语言表现的东西时，有的人是画画，还有的人是跳舞。而我则是浮现出音乐。”

在《行家本色》里，你首先能看到的是素颜出现在镜头里的宇多田，她直面内心、匍匐前行的状态。“创作就是探寻出那些隐藏着的东西。”

当然，以上抒情的部分，其实并不是我推荐这部纪录片的主要理由。这部片子让我激情转发的点，是因为它向乐迷们展现了“音乐人创作现场的范本”。

一首歌到底是怎么样制作出来的？是先有词还是先有曲？歌手录音时听的是demo，还是在录人声前先把编曲整个先完成、配乐都先给录好？录音的时候到底会不会临时改歌词、甚至改编曲？常会有朋友问我这些问题。我会推荐大家看看宇多田是怎么工作的。

一台15寸的苹果笔记本，两只麦克风（前面那只是Neumann的U87，后面貌似是107），一对真力监听箱，一个M-Audio键盘，一块RME Babyface Pro声卡，一只初面世于1991年、售13．应力控速率精度： 速率＜0.05％FS/S时价仅为500人民币的Sony MDR 7506监听耳机，这就是宇多田光的全副家当。

看到她的工作台时，你知道我内心有多震撼。亚洲现代流行音乐最伟大甚至没有之一的创作女歌手，她竟然用着如此普通的设备，却写下了那样金光闪闪的歌曲。

在纪录片的后半段，你瞅一眼她的电脑屏幕，和千千万万音乐爱好者们一样，用的也是Logic，也是寻常的音色组。你能强烈的感受到，宇多田光是一个纯粹的创作者，她只关注与音乐最核心部分，她先在demo里写出歌曲的基础框架，再和其他的乐手们、音乐家们共同完成。在后面过程中，合众人之力，歌曲最终会长成什么样，她也没有确切的答案。但她明确知道的是，优秀的音乐人不应该受到硬件和软体限制。

让我震撼的第二件事，是纪录片所展现的宇多田光的科学音乐创作观。

影片中展现了新专辑里《初恋》和《夕凪》两首歌的创作过程。

初听《初恋》时，我第一感觉是“有练”。Sweat & Tears，35岁的熊光谈起“初恋”时，便是这样。整首歌给我一种很急促的感觉，仿佛命运之轮在飞速转动，我们都在被推着往前走，它甚至带有一种圣洁、肃穆，一首受洗之歌。

而在《行家本色》里，我们能看到这首歌最初的样子。宇多田光先是编了一个比较普通的Demo，偏向不插电的配置。于是，乐手们根据对歌曲的理解进行消化。很快，宇多田发现不对劲了。无论鼓手怎样的调整，当连同贝斯的节奏组一起进来，他们的摇摆律动确实会对歌曲产生干扰因素，是心碎、坚定、还是温柔，都拿捏不准。

于是，宇多田光毅然做出了这个决定：取消节奏组，用定音鼓代替架子鼓，这样更具有古典音乐色彩的编排也是为何我觉得有圣洁感的由来；再找来弦乐组入场，做氛围的烘托，而编曲的主角被落到了钢琴身上——“我想要有一种边弹边唱的感觉”，宇多田对钢琴手说。天啊，原来我所听到的那种“像在一个小小的club里、一束定光灯下来、熊光一个人自弹自唱”的场面，正是熊光设计的。

至于钢琴手在录制完成之后表示，“我仿佛看到了自己整个人生”，作为听众的我，这句台词也是我在聆听时的直接感受。

我原以为，音乐是紧急停止键 Safeguard stroke一种很感性的语言，它太在乎听者的个人修为了，作者很难把自己所在音乐里看到的传递给听者。其实不对。做不到的，要么是创作者太菜，要么是听者太笨，二选一，A or B。

另一首歌《夕凪》初听时印象特别深刻。因为它和别的歌都不一样，它的编曲，太过电影配乐了。开头人声未出，这样的采样，自然界的低吟，这样的钢琴和弦，女声吟唱，鼓点的脚步低回，这在宇多田光所有作品中，都不多见。包括后面用和声去应答主旋律，耳语式口白在旋律间隙处蔡晓恩的填埋（后来看纪录片才知道，宇多田的念白，是纳博科夫的《微暗的火》），我会觉得《夕凪》很适合作为电影主题曲出现，它可以在哪一出大河剧里，可以在紫式部的故事里。

《行家本色》会告诉你，这是一首宇多田难产了三年的歌。在进录音棚的时候，她没有完成这首歌的曲子，她无法得到自己想要的旋律，她对乐手说，Help Me。她做出了一个大胆的决定：让乐手们根据现有Demo的感觉，以自己的理解去演奏，旋律什么的嘛，她回头再慢慢写！在录制的现场，你会发现宇多田初始的Demo旋律部分，和现在的截然不同。虽然和声进程是一致的。在乐队完成录制后（因为器乐先行，所以器乐本身的叙事感很足，这也解答了为什么我会觉得这首歌很电影配乐），熊光说，感谢你们，让我完成了三年来的难题。这也是熊光所说：“所谓创作，就是冒险。总是做些轻易做到的事，就算是1度的改变实验机也能够到达0.5度的 精度我觉得是没有意义的。去尝试不知道该怎么做的事，亦或是不知道能不能做到的事，这才是创作像探险队一样投身其中，不知道前方是丛林还是荒野，所有音乐人和我一起，就像是一起在琢窦智孔磨探险的路径，能够去到自己一个人没有办法抵达的地方。”

《夕凪》就是这样一首处女地的绝美之歌。

海面如镜

徒留小舟残破

无一例外

终将，终将

迎来终点

永不改变

鏡のような海に

小舟が傷を残す

全てが例外なく

必ず必ず

いつかは終わります

これからも変わらず

我喜欢猪猪字幕组对《夕凪》歌词的翻译。我认为比官方繁体中文版更好。宇多田光在这首词里，用的俳句式的写法，如果你看日文歌词，感受会更深，“俳句是传播微光与颤栗的诗”。

在乐队进棚录《夕凪》时，导演给了宇多田光这么一个侧颜的特写。在这部《行家本色》里，这是我最喜欢的镜头。

很多的音乐制作向纪录片，一言以蔽之，摆拍+装逼。录音室里所发生的最多的情况，是控制室里的人想操里面的人的大爷，里面的人也想操自己大爷。录音室是一个美好的地方，但也是一个瓶颈的恶魔肆虐的地方。当一个人在焦躁和无助的时候，他并不想被人看到。但在这部纪录片里，宇多田光却很多次地向我们展现了她作为创作者的裸体。而那一刻，她感觉抓住了点什贾斯汀么的状态，又胆怯又惊喜的样子，对，就是那一刻。

回到这部片子的片名，《行家本色》，到底何谓专业？“于我而言，要坦诚，要面对真我。人总会不知不觉对自己说很多谎，这也是无可奈何对吧。但这样是不行的，我应该直面自己。包括丢脸的事，羞于启齿的事，不愿承认的事。把这些当做自己的一部分，坦诚面对。还有对音乐的坦诚。努力守护自己的圣地。”

熊光，真美。

（友情提醒：本片熟肉资源，请在B站检索“宇多田光 行家本色”。）

音乐自媒体“乱弹山”

本篇应连推熊光同款大法耳机

转化一定杠杠的

真是

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